sábado, 7 de agosto de 2010

Surrealismo, pintores surrealistas


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El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.



Precedentes


La meta surrealista y sus medios se remontan siglos antes al nacimiento del movimiento. Basta citar a Hieronymus Bosch "el Bosco", considerado el primer artista surrealista, que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno". Pero fue en el siglo XX cuando surgiría el nacimiento de una vanguardia filosófica y artística que retomaría estos elementos y los desarrollaría como nunca antes se había hecho.

Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco como hemos mencionado y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito.

 La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.


Primeros pasos


La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.


En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto SurrealistaTal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.

En el surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas. Durante unas sesiones febriles de automatismo, Breton y Soupault escriben Los Campos Magnéticos, primera muestra de las posibilidades de la escritura automática, que publican en 1921.

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.

Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
buscaron en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria.

Fuente, información y agradecimiento:
visiten arteespana
http://www.arteespana.com/surrealismo.htm
 http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo





Michael Cheval

Sus cuadros no surgen de los sueños de los surrealistas, o el trabajo de la subconciencia. Es un juego de la imaginación, donde todos los lazos son cuidadosamente escogidos para construir una trama literaria. Cualquiera de las pinturas de Cheval es un mapa de su viaje a la ilusión. Su trabajo es a menudo metafórico y requiere un ojo agudo para descifrar las alusiones a menudo ocultas.

Nacido en 1966 en Kotelnikovo, un pequeño pueblo del sur de Rusia, Cheval desarrolló la pasión por el arte en su más tierna infancia. Cuando su familia se trasladó a Alemania en 1980, la cultura de Europa occidental causó una gran impresión en el joven artista. En 1986, se trasladó a Turkmenistán y se graduó en la escuela de Bellas Artes Ashgabad. La absorción de la filosofía oriental y el carácter de Asia Central, comenzó a trabajar como artista profesional independiente, dando forma a su estilo surrealista. Emigró a EE.UU. en 1997 y comenzó allí una nueva época. Volvió a la cultura occidental que tanto lo inspiró en su juventud alemana, pero ahora desde su propia experiencia, su filosofía y visión.

"Michael Cheval nació en 1966 en Kotelnikovo, un pequeño pueblo en el sur de Rusia. Creció entre pinturas y pinceles, lienzos y caballetes. Su abuelo, un artista profesional y escultor, desarrolló el amor de Michael, para dibujar en su más tierna infancia. Un niño de tres niño de años, ya podía dibujar complejas composiciones multi-figuras, que ilustran sus fantasías e impresiones.

En 1980, Michael y su familia se trasladó a Alemania. Su nueva configuración hizo una gran impresión en el joven artista. Museos y castillos, antiguas calles y maravillosos paisajes del sur de Alemania se define de forma permanente los gustos y predilecciones de Michael. Siempre interesado en la historia y la literatura, Michael se absorbió en la música. Organizó una banda y dedicó varios años al rock 'n' roll. Compuso canciones y escribió poesía.

Después de graduarse en la escuela y servir en un ejército soviético, Michael se mudó a Nebit-Dag, una ciudad de Turkmenistán en el medio del desierto de Kara-Kum, cerca de la frontera iraní. La absorción de la filosofía oriental y el carácter de Asia Central, comenzó a trabajar como artista profesional independiente, dando forma a su estilo surrealista y de la dirección. Michael colaboró con varios teatros y casas editoriales de Nebit-Dag y Ashgabad. En 1992, se graduó de la escuela de Bellas Artes Ashgabad.

En 1990, Michael realizó su primera exposición personal en la Nacional de Turkmenistán Museo de Bellas Artes. Este fue un acontecimiento importante para el artista de 24 años de edad, que mostró gran aprecio de la comunidad de artistas de la república. En 1994, Michael se trasladó a Rusia en Moscú y trabajó como artista independiente y un ilustrador para varias editoriales, incluyendo la famosa casa editorial de libros "Planeta".

Su decisión de emigrar a EE.UU. en 1997 comenzó una nueva época para el artista. Volvió a la cultura occidental que tanto lo inspiró en su juventud, pero ahora él trajo a su propia experiencia, su filosofía y visión. En 1998, se convirtió en un miembro de la prestigiosa Nacional de las Artes de Nueva York Club, donde en 2000 fue distinguido con el Premio Comité de Exposiciones en la exposición anual de clubes.

Desde 1998, Michael expone con regularidad en diferentes galerías de Nueva York. Es miembro de la Sociedad de Arte de la Imaginación (Londres, Reino Unido) desde 2002, y participa en exposiciones anuales Europeo celebrado por la Asociación.

En 2003, Michael fue aceptado como participante en el famoso "Brave Destiny" exposición, celebrada en Williamsburg Arte y Centro Histórico en Brooklyn. Entre otros participantes fueron artistas tan celebrado como HR Giger y Ernst Fuchs.

Desde 2001, Michael exposiciones en el Salón Internacional de Arte de la Expo, que se celebra anualmente en el Jacob K. Javits Convention Center, de Nueva York.

En 2006, las obras de Michael fueron aceptadas por "Fiesta de la Imaginación" exposición en la Galería Museo HR Giger, Suiza.

album primera monografía de Michael "Canciones de cuna", fue publicado en colaboración con Interart Gallery en 2003. En 2007, publicó su segundo álbum, "La naturaleza de lo absurdo", que define su estilo único y la visión. El absurdo es un punto de partida de sus creaciones. Michael identifica con su arte y el teatro de Becket Ionesco del absurdo y de Greenaway y las películas de Buñuel. "

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UNA PEQUEÑA MUESTRA DE SU TRABAJO:
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Ilene Meyer

Ilene Meyer nació el 30 de diciembre de 1939 en Seattle, Washington. Internacional artista falleció en su casa rodeada de sus amigos el 3 de junio de 2009.

Su formación fue casi completamente autodidacta, estudiando y practicando técnicas de dibujo y pintura por su cuenta, en manuales y folletos, pero, sobre todo, observando con detención los cuadros expuestos en museos y galerías y las reproducciones en libros de arte.

Ilene, inspirada desde niña por la obra de su madre, fue autodidacta. A la edad de treinta años, dedicó su vida a la búsqueda de su arte. Una maestra de muchas formas de arte, Ilene se auto describe como una surrealista con un toque, "una combinación de la realidad, la fantasía y realismo". Su trabajo :

Una artista Internacional Con Un Mensaje Sobre la Dignidad de la Preservación y Su Vida.

Las pinturas al óleo de Meyer sus mitos de la creación, la exploración de criaturas fantásticas y los paisajes imaginarios con perforación claridad y pasión. Sus pinturas cubren una amplia variedad de temas inventados y reales: el hombre, animales, plantas, naturaleza muerta, y el universo, la ciencia que abarca toda la filosofía y culturas fusionadas con una profunda comprensión de la tierra. Ella representa a sus súbditos en colores vivos y claros que abarcan una amplia gama de eventos en la tierra del pasado, presente y futuro, nos invita a su mundo imaginario y llevar el mensaje de que pueden variar de acuerdo al espectador...

Tan surrealista como Picasso o Dalí, tan evocadores como Georgia O'Keeffe. Nueva Era visualistas -ciencia a la escala completa colección retrospectiva de sesiones de trabajo de Meyer. La invocación de los temas de la ecología, la conservación, la cultura y la civilización. Las pinturas de Meyer pronuncian que toda la existencia está interconectada y que todas las almas se entrelazan. Una sensación cultural en Japón y el tema de numerosos artículos y entrevistas y un documental, Meyer está perfectamente preparada para encantar a los Estados Unidos con su audaz estilo pictórico.

Artista de gran trayectoria cuya obra llama la atención, el colorido de sus pinturas hacen pensar en que su técnica es digital y su oficio la ilustración, pero en realidad son piezas de pintura a un buen tamaño e inmejorable técnica, su inspiración viene de los numerosos viajes que ha hecho por el mundo, a través de los cuales ha conocido diversas culturas y posturas sobre el planeta y la vida, diversidad que manifiesta en el color brillante, lleno de esplendor y esperanza.

A mediados de la década del 70, comenzó a trabajar como ilustradora de libros de ciencia ficción. Diez años más tarde, decidió dedicarse al arte, creando un mundo basado únicamente en su imaginación.

Hasta cierto punto, su obra podría insertarse en la corriente surrealista. De hecho, los motivos están representados con absoluto realismo, pero sacados de su contexto de modo metafórico.

Resulta evidente que uno de sus pintores preferidos es Salvador Dalí. Hay una emulación de la obra del maestro catalán en su cuadro «Todo es vanidad», que nos lleva a los cuadros de Dalí de doble percepción, tales como «Mercado de esclavos con aparición del busto invisible de Voltaire». En el óleo de Ilene, una mujer lujosamente ataviada, inserta en un ambiente del siglo XIX, observa su imagen en el espejo del tocador, en la semi penumbra de un cuarto débilmente alumbrado. Pero una segunda lectura nos revela una calavera, conformada por el óvalo del espejo, con la cabeza real y la reflejada a modo de cuencas, la fosa nasal simulada por la mancha oscura del espacio entre las cortinas de la ventana ubicada al fondo de la habitación, también reflejada en el espejo y la mandíbula sugerida por la carpeta bordada, sobre la mesilla. Los frascos colocados sobre ésta definen inequívocamente los dientes.

Pero la obra de Ilene Meyer está, en general, exenta de la morbosidad de Dalí. Es más sana, optimista y llena de alegre colorido. Sus objetos derivan de distintos campos y están representados con sus matices reales y extrema perfección de dibujo, en muchas ocasiones levemente estilizados, embellecidos.

Los temas abarcan animales: elefantes, leones, cebras, monos, peces pingüinos, osos, focas, etc. Pero también cada uno de sus minuciosos trabajos sugiere una historia, abierta a diferentes interpretaciones.

Creatividad sin fronteras Ilene Meyer trabaja con figuras mitológicas y con escenas provenientes de culturas orientales, precolombinas o africanas.

Todos sus cuadros connotan mensajes que pueden interpretarse de acuerdo a la percepción del observador.

Pero el factor común a todos ellos es que abarcan ciencia, filosofía, cultura y una sorprendente creatividad, conjugada con un profundo conocimiento
del mundo en que vivimos.

El leit motiv de su obra es recordarnos cuán frágil e importante es el ciclo de vida.

Uno de los cuadros que aquí reproducimos, trabajado en sutiles contrastes de matices derivados del azul y del naranja, está titulado «Mañana». Contiene una inusual mezcla de planos geométricos, paisaje real, precisos pliegues textiles, visiones, símbolos, objetos del espacio exterior e impecables representaciones de airosas jirafas. 

¿De dónde vienen? ¿Hacia dónde marchan? ¿En qué mundo viven? Esas y otras son
las preguntas que Ilene plantea al observador.

Es el desafío con el que su imaginación reta a la nuestra.

Las obras de esta artista figuran en numerosos museos y galerías de Estados Unidos, Europa y Asia. También han sido profusamente reproducidas en afiches.

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ALBERTO PANCORBO

Nace en Soria (España) el 18 de abril de 1956.
Pinta desde muy temprana edad en su ciudad natal, trasladándose a Barcelona a la edad de 18 años con el único fin de dedicarse a la pintura.

En 1980 entra a ser artista exclusivo de Sala Gaudi (Barcelona) la cual expone sus cuadros por primera vez en la feria internacional de arte de Basilea (suiza). Empieza su periodo de exposiciones por diferentes ciudades de España y extranjero. Obtiene varios premios en concursos de arte. 1985 primera exposicion en Madrid y es premiado como Artista revelación del año por la revista Correo del Arte de Madrid.

El primer libro sobre la pintura de Pancorbo es editado en Barcelona en el año 1986, después fija su residencia en Bogota (Colombia) donde empieza a hacer numerosas exposiciones incluyendo Estados Unidos, México y otros países de América. Participa en numerosas ferias de Arte y subastas como Sotheby’s (New York).

En 1994 se edita el libro Pancorbo ( Laberintos del Alma ) recopilando gran parte de sus pinturas. Es incluido en varios libros de arte realista, y publicaciones.
Sus obras se encuentran en diferentes colecciones de América y Europa.
El año 1998 se traslada a vivir a Miami donde vive en la actualidad, ciudad en la que ha realizado numerosas exposiciones desde hace dieciseis años.

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JIM WARREN

Pintor norteamericano surrealista.
A medio camino entre la estética surrealista y el comic, este ilustrador norteamericano, de indudable inspiración daliniana nos sobrecoge con sus evocadoras obras...
Nacido en California, es uno de los artistas más creativos, versatiles y prolíficos de nuestro tiempo.

Su versatilidad le permite realizar desde retratos de celebridades y sus familias, a ilustraciones para libros, películas y discos. Alguno sin duda recordará su portada, ganadora de un premio Grammy, para el disco Bob Seger “Against the wind„ en 1981.
Inicialmente influenciado por pintores como Dali, ha desarrollado un estilo único e inimitable.

Sus pinturas, la mayoría realizadas al óleo, y no con aerógrafo como podría parecer por el espectacular resultado. Influenciado por pintores como Dali, desarrolló su estilo único en la pintura , sus pinturas de aceite se ofrecen y exponen actualmente en algunas de las galerías más importantes en el mundo.

A caballo entre lo salvaje y lo sensual, y siempre con un toque de dulzura, a lo largo de 35 años, la pintura de Jim Warren, se ha hecho un hueco en los corazones de todo el mundo.

Aunque considerado una " leyenda viva del mundo del arte" Jim sigue intentando sorprendernos y lo logra con creces...
Altamente cotizado por la deliciosa estética que propone, el mismo autor comenta en su sitio personal, que su arte no es mas que una sugestiva experiencia, así que.... disfrútala...

Una visión más en profundidad se puede encontrar en el libro de mesa de café
"El arte de Jim Warren"

Fecha de nacimiento: 24 de noviembre 1949 en Long Beach, California a Don y Betty Warren. hermano de Jim, Rick tenia 2 años sw edad y su hermana Kathy tenía 5 años.

Comienzos: comenzó a los 2 años, al igual que todos los niños. Se decidio oficialmente cuando ingreso en la escuela secundaria en 1967

Herramientas: pintura al óleo sobre lienzo de la tradicional que me abrigo con una imprimación de yeso. Sólo se utilizan pinceles para pintar con aerógrafo y NO, como se ha pensado a veces.

Arte de entrenamiento: "Básicamente soy autodidacta. Aprendí algunos conceptos básicos en mi clase de arte en la escuela. En la universidad asistí a varias clases de pintura al natural, y siempre estudió los grandes maestros en los museos".

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Tomasz Setowski

Érase una vez, hace mucho tiempo en la Cracovia-Czestochowa. Tomek Setowski nació con extraordinaria sensibilidad que le caracteriza. Como un niño pequeño se veía tan pronto como él sólo tenía tres años cuando su primer cuadro fue creado.

Un joven soñador había estado desarrollando sus técnicas de pintura durante años, dando pasos agigantados en las galerías locales a los salones de exposiciones de primer nivel, y, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Pedagógica Czestochowa obtuvo conocimiento sobre la historia del arte. El proceso de aprendizaje llevó muchos años .... Nuestro héroe estaba comprometido en una dura lucha con los profesores de la universidad local y, eventualmente, se tragó su orgullo y se recoge el diploma de maestría.

A través de sus pinturas que se dedica a su público, promotores y curadores de arte en una historia de cuento de hadas donde se mezclan la realidad con la ficción, debido a que el artista se haya pronunciado rápido para ser uno de los pintores más originales y talentosos de la generación joven que ha conseguido crear su propio estilo, único y reconocible.

Inspirándose en todo a su alrededor, Setowski se invita a las mejores galerías de Polonia, los viajes largos con sus pinturas a Francia y Alemania tienen éxito también.

En su mundo de cuento de hadas que a menudo hace pasar por un asistente y le da una nueva imagen a sus personajes favoritos de la literatura, es por eso que está por delante de los viajes más tiempo ..., después de recibir cartas de reconocimiento a sus logros de una galería de Nueva York Stritcoff Bellas Artes Interart y Galería, Setowski a la conquista de América, donde presenta sus lienzos en el arte más grande del mundo justo en Nueva York bajo el nombre de "Museo de la Fantasía".

Tomasz no tuvo que esperar mucho tiempo para las cartas posteriores de distinción de la lejana América, un eminente Galería CFM, que se especializa sobre todo en el surrealismo y el simbolismo, en su interior presenta lienzos Setowski, junto a las pinturas de Salvador Dalí, Leonor Fini y Michael Parkes ...

Años de trabajo duro y sacrificios en el coste, Tomasz para obtener el título de uno de los creadores del "realismo mágico" tendencia, hay pocos representantes de esta tendencia como la creación de estas obras requiere magistralmente técnicas y gran imaginación.

En el año 200 Setowski abre el soñador "Museo de la Fantasía" en su ciudad natal. Como él dice "he creado una torre de marfil para escapar de la vida cotidiana, un Estado dentro del Estado, el centro del mundo donde me voy a quedar hasta el final de mis días". El lugar tiene una serie de secretos, es un parque de atracciones específicas del arte, sorprendiendo con la gran cantidad de objetos asombrosos. En el Museo el artista desarrolla sus visiones en muchos campos, es aquí donde Setowski recoge las mejores obras de pintura, escultura, dibujo e incluso piezas de joyería únicas. La visita a este mágico lugar se puede cumplir con instalaciones monumentales sacado de sus lienzos, y nos sentimos como los personajes de sus historias. "Museo de la Fantasía", contiene una galería y una sección de estudio. En la planta baja es un mundo asombroso, colorido y, al mismo tiempo, sombrío, la parte de arriba es un paraíso de la creación, donde ha recogido el artista todo lo indispensable para él para trabajar fuera de las preocupaciones y los problemas de todos los días de la civilización moderna.

Las pinturas de la artista misterioso se encuentran en una gran cantidad de importantes colecciones privadas y museos, incluyendo el Museo Marítimo en Gdansk y el Museo de Arte de la Fantasía en Suiza.

Una gran cantidad de publicaciones, incluyendo el trabajo artístico Setowski han sido liberados, dos hermosos libros se han publicado en colaboración con la casa "Muza publicar". Setowski pinturas han sido en la revista y cubiertas para libros por muchas veces.

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Samy Charnine

Nacido en Niza en la Riviera francesa, Samy Charnine emigró a los Estados Unidos en 1983. Ha realizado exposiciones en San Diego, San Francisco, Lahaina en la isla hawaiana de Maui, y en Denver y Aspen, Colorado. Su obra es coleccionada en los EE.UU., Londres, Francia, Mónaco, Alemania y Suiza.

Charnine se ha visto afectado por los maestros surrealistas, pero su estilo es puro. Combina imágenes caprichosas con precisión en su ejecución. El resultado es poético y experto.

Charnine nos ofrece una obra muy intimista, solitaria y llena de surrealismo. Un trabajo detallado y con algunas influencias tanto de Rene Magritte como de Salvador Dalí. Una obra para relajar la mente y pensar en el interior del ser humano.

Gana atención y elogios por su técnica y la sofisticación de sus ideas. Las pinturas Charnine son realistas en sus detalles pero con una composición que evoca una respuesta emocional del espectador.

Nacido en Niza en la Riviera francesa, Samy Charnine emigró a los Estados Unidos en 1983. Vive una vida aislada y es esta muy dedicado a su arte. Se hace su propia pintura con pigmentos históricos con recetas y técnicas que datan desde el Renacimiento. Es muy exigente consigo mismo y destruye muchas de sus pinturas, a veces tienen años de trabajo, si el resultado no cumple con sus estándares y expectativas.

Sus trabajos son coleccionados por los entusiastas de todo el mundo.

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Jeremiah Stermer

Jeremías nació en Baltimore en1946 Se define a sí mismo como realista/surrealista.“En 1957, con 11 años, comencé a pintar al óleo. Comenzó declarando: “Empecé a pintar y dibujar con toda facilidad, como guiado por una segunda naturaleza.”

Él desarrolló su particular versión del fuerte enfoque realista de la pintura al óleo a partir de la culminación de los descubrimientos técnicos empleados que la necesidad le exigió con el fin de comunicar ideas de manera realista y con delicadeza.

Jeremías fue inspirado originalmente por el realismo de los 19 pintores europeos del siglo Academia. Sus padres se celebran el cumpleaños de Jeremíah en Baltimore Haussner Restaurant, En la que había una pared a pared con una colección desde el piso al techo de pinturas del siglo 19. Jeremías pensaba que el fuerte realismo delicado que vio en Haussner fue el único tipo de pintura al óleo que existían. Jeremías también se inspiró en una exposición de arte local de 1960 espectáculo fue titulado, Los 6 realistas. Los artistas eran todos de la escuela de pintura Maroger.

Su inspiración fue el de incluir el siglo 17 maestros holandeses, foto-realismo, el surrealismo de Salvador Dalí, y los impresionistas y su control del estado de ánimo a través del color, todos convirtieron una parte en su nivel de realismo. "Algunos de mis viejos maestros favoritos son: Jean-Louis Meissonier Ernst-, y Frans van Meiris".

La atención en Jeremíah en el trabajo esta en traernos cosas de relieve para que parezcan vivas y tangibles.

Jeremías dice: “ Mostrar todas las cualidades de las superficies y cómo representarlas con la pintura”y que se mantengan tal cual son entre yo y lo que veo. Quiero que la intimidad visual sea mejorada por la calidad sensual de la pintura, que el manejo de la pintura se apliquen y se mezclen los colores de tal manera que se mantenga mi pintura plana y lisa, la eliminación de trazos visibles del pincel que interpreto con la pintura lo que la naturaleza dicta;. transiciones suaves o agudas, colores vivos o tenues, texturas, transparencias, velos translúcidos, etc debo buscar todas las evidencias de la interacción de la luz en las superficies.
"Las innovaciones necesarias para interpretar lo mejor de cada área de las superficies, en términos de pintura, y en dos dimensiones, se crea la espontaneidad y añade vida a cada área, y todo esto espero que causen sobre los objetos o sujetos el poder vibrar con la vida y permite a la pintura respirar.

"Pasé un verano glorioso con mis abuelos en su casa de playa en la bahía de Chesapeake. Las escenas en la casa, había una luz especial que subía del agua, el brillo danzaba en todo. El estado de ánimo y que en la luz está en el latido del corazón de mis pinturas. El reto genera un placer cálido, luminoso y estimulante. ", Dice Jeremías." Después de experimentar un cambio en mi vida. ECM una experiencia fuera del cuerpo cuando yo tenía 30 años. Agradezco cuando alguien dice que mi obra parece una fotografía, pero mi objetivo es ir más allá que todo aspecto real de lo puramente visible. Tengo que prestar mucha de atención en el aire, alrededor de todo. Puedo aplicar los colores en capas delgadas dejando un relieve plano y prácticamente sin ninguna evidencia de la pincelada. El aspecto más importante de mi trabajo es el estado de ánimo.. Jeremiah pinta naturalezas muertas, escenas de interior, con o sin figuras y temas surrealistas. "Jeremías ha expuesto en galerías en Manhattan, Palm Beach y Naples, Florida, y actualmente está representada en las galerías en Wellesley, Massachusetts, y Chevy Chase, Maryland.

"Mis obras se encuentran en diversas colecciones de renombre en todo el país. Estoy incluido en la colección permanente del Museo de la nuez dura de Arte, Hickory, Carolina del Norte. tengo varias piezas en "Los mejores del mundo 200 colecciones". he dado numerosas conferencias y demostraciones sobre la pintura al óleo realista y el surrealismo en diversas instituciones y universidades de Maryland. " 

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jeremiah39@verizon.net 

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Mihai Criste

Mihai Criste nació el 8 de octubre de 1975 en el condado de Hunedoara Deva en Rumania. Incluso antes de su graduación en la Academia de Artes Visuales " ha tenido varias exposiciones individuales y colectivas, Ioan Andreescu Sección de Artes Gráficas", Cluj-Napoca, Rumania en. Desde el año 2001 Mihai ha participado en diversas exposiciones colectivas en Rumania, EE.UU. e Inglaterra. Él, además, colaboró con un número de Casas de impresión para ilustrar libros, como el libro para niños "El mago de Oz" y abarca, por ejemplo, para el libro "Acerca de Payasos" de Norman Manea.

La precisión con la que ha destacado sus obras surrealistas Mihai es absolutamente fascinante y atrae inmediatamente la atención de los destinatarios. A través de su obra que inspira el pensamiento se comunica con los símbolos, los sueños y los cuentos que están detrás de nuestro mundo. Mihai Criste afirma: "Lo bello en el arte es otra cosa que la esencia, la creación"

A pesar de la influencia que destilan sus obras y que le acercan a los grandes como Dalí y Magritte, Mihai Criste nos deja unas imágenes en óleo sobre lienzo de esas que muchas veces nos gusta evocar por sus significados metafóricos que exploran el subconsciente y provocan sensaciones dispares. Tal vez algo visto pero no exento de cierta belleza, una implícita sencillez que nos devuelve a los buenos momentos de sueños oníricos y fábulas mágicas. También en DevianArt como Mihai82000.

Fuente y agradecimiento:


 
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Siegfried Zademack

Nacido en Bremen Alemania el 24 de diciembre de 1952. Artista independiente desde 1980.
Las pinturas surrealistas del visionario Siegfried Zademack hacen de los recipientes una maravilla. La disposición de sus pensamientos pictórica inmensamente superior a una reproducción realista. Sus cuadros nos permiten deslizarnos en dimensiones metafísicas, entre la ironía humorística y la profundidad insondable de nuestras almas.

Las fuentes semánticas de su arte son igualmente pasado y el presente. La cita de la historia del arte está al lado de la botella de Coca-Cola. Sus verdaderos maestros fueron los maestros del Renacimiento tardío y desde el conde Italien hasta los manieristas. La sintaxis de su trabajo es completamente determinada por el de los maestros clásicos. Lo asombroso es que, adopta para sus invenciones pictóricas propias, una técnica perfecta, aunque esto es indispensable, a juicio de su objetivos. Sus inventos son claramente figuras esculpidas, pero su iconología supone un considerable conocimiento de la historia del arte y la política.
En algunas de sus citas pictóricas, se detecta la diferencia con el planteamiento surrealista: Es el punto de vista histórico, que ha sido posible y este es el aspecto que hoy - en periodos manierista. Descartes había visto esto sin hacer un tema de ella: "est fabula mundus", el mundo es una gran fábula, una historia interminable en la que estamos enredados para siempre.

Si vivimos de, historias, no hay fronteras entre los períodos, porque la historia es entonces el presente, y todo lo que hacemos ahora es ya, el futuro. Este es el enlace entre Madonna Boltraffio y el estilo de vida americano, que no hace distinción de los clásicos y Coca Cola.

Fuente información y agradecimiento:
http://webcache.googleusercontent.com/search?q=cache:4BCRixzjf8oJ:elencantoocultodelavida.blogspot.com/


Siti oficial:
http://www.zademack.com/html/00index.htm 

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Vladimir Kush

Vladimir Kush, nacido en 1965 en una casa de madera cerca del parque de Sokolniki en Moscú, es un pintor surrealista que define su arte como realismo metafórico; las pinturas surrealistas de Vladimir Kush son una verdadera invitación a soñar sin límites, donde nada es lo que parece. Empezó a pintar desde los 3 o 4 años de edad.

A menudo se sentaba sobre el regazo de su padre y terminaba los dibujos que él empezaba. Comenzó a asistir a una escuela de bellas artes a la edad de siete años. Por aquel tiempo, dedicaba la primera mitad de su día a la escuela seglar, encontrando exigencias por parte de sus maestros, y la segunda mitad a clases de arte hasta las nueve de la noche.

Juventud

Aburrido con el estilo de Paul Cézanne en el que se centraba su escuela de bellas artes, Kush comenzó a mezclar imágenes surrealistas pintando su primer cuadro de este estilo a los catorce años. Experimentó con diferentes estilos impresionistas después de ver un libro de Salvador Dalí de los años ’80, mas este estilo no prevaleció en su obra. Influido por su padre, científico de oficio, piensa que la pintura realista muestra la capacidad profesional del artista adentrando al espectador en un mundo fantástico, como haría un matemático. Éste, fascinado por lo que ve, acepta lo suficiente dichas imágenes imposibles como para ver metáforas en ellas y explorar sus diferentes significados.

A los diecisiete años, entró en el Instituto de Arte de Moscú y, con dieciocho, se le ordenó pintar los murales y lonas de infantería mientras cumplía sus dos años de servicio militar obligatorio.

Madurez

En 1987, comenzó a vender sus pinturas y exposiciones dentro de la Unión de Artistas. Por aquel tiempo le invitaron a pintar una serie de retratos para el personal de embajada estadounidense. Sin embargo, tuvo que dejarlos de lado su después de que la KGB lo hiciera sospechoso de apoyar a los norteamericanos debido a algunos libros que leía durante su servicio militar.

En 1990, presentó sus trabajos en Alemania junto a otros dos artistas rusos. Tiempo después visitó Los Ángeles para una nueva exposición y se quedó en los Estados Unidos. En 1991 su sueño se hizo realidad. Por mucho tiempo había alquilado un pequeño garaje en Los Ángeles para pintar, mas no podía mostrar sus cuadros en ningún sitio. Con el dinero que ganó dibujando gente sobre el muelle de embarque en Santa Mónica compró un ticket para Hawai y durmió sobre la playa de Santa Mónica hasta el día de su partida.

Su arte fue observado primero en el continente asiático y después en América. En 2001 abrió su primera galería, el en Lahaina, Hawai. Actualmente tiene otra galería en la Playa Laguna de California.

Fuente y agradecimiento:


Sitio oficial:
 http://www.vladimirkush.com/home.php

UNA PEQUEÑA MUESSTRA DE SU TRABAJO: 
( Para no perderte detalle de las imágenes pincha sobre las imagenes)