domingo, 21 de febrero de 2010

Arte Visionario, pintores visionarios (primera Parte)



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GRACIAS



Siempre ha existido el arte visionario, desde antiguas épocas el ser humano tuvo la necesidad de expresar un mundo sobrenatural, sin embargo hasta el siglo XX se planteó como una corriente artística.

Es una propuesta visual del camino y las formas de trascendencia del mundo físico hacia el plano espiritual, generalmente basada en experiencias extrasensoriales del artista; las drogas y sustancias psicotrópicas son una recurrente fuente de inspiración.

El arte visionario pretende superar el mundo físico y retratar una visión más amplia del conocimiento, el incluir espiritual o temas místicos, o se basa en tales experiencias (el arte que surge de experiencias de trascendencia)

Artistas formados y autodidactas han creado y continúan creando trabajos visionarios, cuyas obras surgen de una visión personal innata que se deleita ante todo en el acto creativo en sí. Muchos artistas visionarios basan su arte en sus experiencias espirituales, y sus pinturas estan inspiradas en dichas experiencias o también algunos artistas tiene estas experiencias por intoxicación de alucinógenos.

Walter Schurian, profesor en Universidad de Münster, es muy rápido precisar las dificultades en describir al arte visionario como si fuera un género discreto, puesto que es difícil saber dónde comenzar y dónde terminar.



LA INFLUENCIA DEL VISIONARIO


Es un estilo influenciado por el surrealismo, el arte psicodélico, el simbolismo, el neo surrealismo y el arte fantástico. Salvador Dalí, William Blake, Hieronymous Bosch “El Bosco”, Max Ernst, Gustave Moreau, Remedios Varo, Edward Burne Jones, Morris Graves; son algunos de los grandes maestros que han inspirado con su obra al desarrollo visionario.

A pesar de esta ambigüedad, parece emerger una cierta definición a qué constituye el arte visionario contemporáneo y qué artistas pueden ser considerados especialmente influyentes.

Escuela de Viena del realismo fantástico, que incluye Ernst Fuchs y Arik Brauer, es también considerada un catalizador técnico y filosófico es importante y fuerte su influencia sobre la cultura visionaria contemporánea.


ERNST FUCHS

Ernst Fuchs, (Austria 13/02/1930) pintor, escultor, arquitecto, diseñador, compositor, poeta, músico, en pocas palabras un prodigioso del arte, fue uno de los principales precursores de la corriente visionaria - psicodélica, pintó sus coloridas visiones inducido por peyote con un efecto tan realista nunca antes visto.

 Su temática psicodélica-religiosa inspirada en la época renacentista resaltó por encima de todos los conservadores de su tiempo. Fue co-fundador de la Escuela de Arte Fantástico de Viena y la principal inspiración de toda una generación de grandes artistas que protagonizaron en la historia de este movimiento.

http://www.proyectogdl.com/escena/artistadelmes/losvisionarios/



ARTISTAS VISIONARIOS
Arte visionario
La misión del artista es sensibilizar y fomentar el desarrollo de una visión interior.

Alex Grey: Para encontrar el reino visionario, utilizamos la visión interior intuitiva: El ojo de la contemplación, el ojo del alma. Todas las ideas que tenemos como artistas se originan allí.

Myztico: El preceso creativo es verdaderamente un don transcendental espiritual que permite co- crear con nuestro divino co-creador, para decirlo simplemente la creatividad es mi religión.

Piercarla Garusi: Mis pinturas son un intento de lograr un cambio en la conciencia…

Qahira Lynn: es una artista visionaría espiritual y expresa sus visiones místicas a través de la simbología chamánica

Ric Sweitzer:  imbuido de mensajes que emanan de los mundos celestiales, su arte efectúa transformaciones hacia una vida nueva y divina.

Camilo Villanueva: Provenientes de las montañas de Argentina, el arte místico Camilo fluye naturalmente de sus encuentros con el espíritu

Sam Brawn: Mezclando temas cósmicos con un ojo puesto hacia la espiritualidad.

Antonio Roybal: Exploración de los reinos de la conciencia superior, Antonio está inspirado por la visión intuitiva:

El proceso en el que trabajo es muy similar a la canalización consciente. Yo me enfoco en altas energías y las dimensiones, la esperanza de comunicar estos sentimientos através del lenguaje del arte.

Robin Urton: llega a los interiores de su conciencia cósmica para revelar mundos majestuosos de los sueños de meditación.

Julia Mullikin: puedo crear imágenes para acceder a lo sagrado, en el subconsciente y los sueños. A través de historias puedo profundizar en el conocimiento de uno mismo. En el auto-conocimiento podemos recordar nuestra propia divinidad.



PRIMEROS ARTISTAS VISIONARIOS Y
ALGUNOS DE ELLOS SON:

Willam Blake, Hieronymus Bosch, Salvador Dalí, Ernst máximo, Gustave Moreau, Remedios Varo, Frida Kahlo, Edward Burne Jones, Samuel Palmer, Morris Graves

Algunos artistas visionarios

Pablo Amaringo, David Em, Ernst Fuchs, H.R. Giger, A. Andrew Gonzalez, Alex Grey, Rudolf Hausner, Mati Klarwein, Paul Laffoley, Elle Nicolai, Antonio Roybal, Mark Ryden, De Es Schwertberger, Bunleua Sulilat, Laurence Caruana, Anne Sudworth, Roberto Venosa, Oleg A. Korolev, Myztico, Brigid Marlin,Amanda Sage, Vincent Castiglia, Andrew Annenberg, Bernard Xolotl, Brian McGovern, Charles, Frizzell, Cheryl Yambrach Rose, Don Davis,Erial Ali, Frank Hettick, Garret Moore, Geoffrey Chandler, Gilbert Williams, Jeffrey K. Bedrick, John Lawton Cullison, Jr.,John Mason, Jonathon Earl Bowser, Joseph Parker, Karl Bang, Penny Slinger, Richard Fields, Satoshi Matsuyama, Sylvan Starbough Rife,Walter Bruneel, Wilby, Wizzle (Angela)
And more...

PRIMEROS VISIONARIOS





 WILLAM BLAKE

Willam Blake (28 de noviembre 1757 — 12 de agosto 1827) Inglés poeta, pintor, y printmaker. En gran parte desconocido durante el curso de su vida, el trabajo de Blake hoy se considera seminal y significativo en la historia de la poesía y de los artes visuales.

Sin lugar a dudas, el británico William Blake ha pasado a la historia como uno de los artistas más excepcionales y singulares de los últimos siglos. Blake fue uno de esos personajes adelantados a su tiempo, incomprendidos y despreciados por la mayoría de sus contemporáneos, a pesar de la indudable calidad artística de sus poemas y grabados. Fue considerado un personaje excéntrico, y no tuvo la oportunidad de disfrutar del éxito y el reconocimiento de su arte, lo que le llevó siempre a vivir en el umbral de la pobreza.
En este sentido, el brillante artista británico encarna lo que podríamos llamar el prototipo de «artista-mago», pues no en vano sus visiones sobrenaturales, sus peculiares creencias religiosas y su interés por la mitología y el ocultismo, posibilitaron que hoy podamos disfrutar de algunas de las obras más hermosas, sugerentes e inquietantes de toda la historia del arte.

Muy interesante:
http://arssecreta.com/?p=266























SALVADOR DALÍ
Salvador Dalí (Figueras, 11 de mayo de 1904 - Figueras, 23 de enero de 1989), fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Su nombre completo era Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal

Área Pintura, Dibujo, Fotografía, Escultura, Escritura
Educación Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid
Movimiento Surrealismo, Cubismo, Dadaísmo
Sitio oficial:

http://www.salvador-dali.org/














 

 


JEROEN ANTHONISZOOM VAN AKEN
 
EL BOSCO
 
Jeroen Anthoniszoon van Aken, llamado Hieronymus Bosch o Jeroen Bosch (Bolduque h. 1450 - † agosto de 1516) fue un pintor flamenco. Firmó algunas de sus obras con Bosch (pronunciado como Bos en neerlandés).
 
En español es conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch; en italiano es a veces llamado Bosco di Bolduc (de Bosch y Bois le Duc, traducción francesa de 's Hertogenbosch = Bosque Ducal, ciudad natal del Bosco).
 
Protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos, a través de la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación aunque estén rodeados por el mal, sea en las tablas con la Pasión de Cristo, a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar al género humano del pecado universal. En los últimos años de su actividad, el estilo del Bosco cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor; como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee hoy en día varias de sus obras más famosas.


 









HERMOSAS IMAGENES, TRIPTICOS DEL BOSCO
(Pincha encima de las imagenes para apreciar todos los detalles de su obra)










ERNST MÁXIMO

Ernst (1891-1979)

Ernst máximo (2 de abril 1891 - 1 de abril 1976) era Alemán pintor, escultor, artista gráfico, y poeta, considerado uno de los principales representantes de Dadaismo y Surrealismo.

Vida temprana

Ernst máximo nació adentro Brühl, Alemania, cerca Colonia. En 1909, él se alistó en la universidad en Bonn para estudiar filosofía pero pronto abandonado los cursos. Comenzó a pintar ese año, pero nunca recibió cualquier entrenamiento artístico formal. Durante Primera Guerra Mundial desempeñó servicios en el ejército alemán, que era una interrupción trascendental en su carrera como artista. Él lo indicó en su autobiografía, “Ernst máximo murió el 1r del agosto de 1914.”

Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.

Ciudades, Europa después de la lluvia.


















GUSTAVE MOREAU

Gustave Moreau vivió los últimos años de su vida encerrado en su casa, organizando su museo póstumo, sin dejar a nadie, ni a sus más íntimos amigos, entrar a ver su obra.

Los misteriosos cuadros de Gustav Moreau en ellos creaba unos ambientes torturados que fascinaron a los poetas simbolistas, que guardaron cola a su muerte para entrar en su casa a ver sus cuadros, y más tarde a los surrealistas.

Gustave Moreau (París, 6 de abril de 1826 - íd., 18 de abril de 1898) fue un pintor francés, precursor del Simbolismo
 
Gustave Moreau nació en París el 6 de abril de 1826, en el seno de una familia burguesa que no puso obstáculos a su vocación artística.
 
En 1838, Gustave comenzó su educación en el internado del Collège Rollin
 
En 1844, completados sus estudios de bachillerato, ingresó como discípulo en el taller de un pintor hoy olvidado, el académico François-Edouard Picot.
 
En 1847  ingreso en la Real Escuela de Bellas Artes de París.

Adoptó un nuevo maestro, el pintor Théodore Chassériau, antiguo discípulo de Ingres y de Delacroix

 Comenzó dedicándose a copiar obras de maestros en el Museo del Louvre, pero ese mismo año fue por primera vez admitido al Salón oficial, con una Pietà, y emprendió una destacable carrera como pintor académico.

Entre 1857 y 1859 realizó un segundo viaje a Italia, visitando varias ciudades, y pintando copias de varios maestros italianos, como Miguel Ángel, Rafael, Veronés, Correggio y Carpaccio.

Durante los años siguientes, prosiguió con relativo éxito su carrera como pintor, aunque sus poco habituales temas provocaron a veces reacciones encontradas

En 1891 sucedió a su amigo Elie Delaunay, tras su fallecimiento, como profesor en la Escuela de Bellas Artes de París. Desde 1891 hasta su muerte, Moreau fue profesor de varios futuros artistas, entre los que se cuentan pintores tan célebres como Henri Matisse, Albert Marquet y Georges Rouault, entre otros.

A su muerte dejó como legado su taller, que se convirtió en el museo Gustave Moreau, inaugurado el 13 de enero de 1903.
























REMEDIOS VARO
Maria de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga (n. 16 de diciembre de 1908 en Anglès (Gerona), España — 8 de octubre de 1963 en Ciudad de México) más conocida como Remedios Varo, fue una pintora surrealista hispano-mexicana.

 La obra de Remedios Varo posee un estilo característico y fácilmente reconocible. En su obra aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas, en las cuales se tienen a la vez elementos oníricos y arquetípicos. Su obra entera está teñida de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno. Su pintura está puntualizada por un marcado interés por la iconografía científica. De allí que en tiempos recientes, las obras de la pintora sean retomadas cada vez con más frecuencia en la literatura de divulgación.





















FRIDA KAHLO

 

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo (nacida en Coyoacán, Ciudad de México; 6 de julio de 1907 - 13 de julio de 1954) fue una destacada pintora mexicana.

Su obra de sesgo muy personal, se caracteriza por una síntesis de elementos expresionistas y surrealistas, con una temática popular y autobiográfica.


 Una personalidad única, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su patria y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.

 

En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México, Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes con los que realizó innumerables trastadas teniendo como víctimas a sus profesores; Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera.

 El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento".

El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación

Tras esa recuperación, que le devolvió la capacidad de caminar, una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban, entre otros, la conocida fotógrafa, artista y comunista Tina Modotti y el futuro marido de Frida, Diego Rivera.

La artista contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio

Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego.

La creciente reputación de Rivera en los Estados Unidos los llevó entre 1931 y 1934 a pasar la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit.

En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".

En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso.

A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda del México D.F.

En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un rotundo éxito.

Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones

Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.

Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia. Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México


Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.

A los cuatro años de su muerte, la Casa Azul se convirtió en el Museo Frida Kahlo.

Las últimas palabras en su diario fueron: "Espero alegre la salida y espero no volver jamás".





















JOHFRA BOSSCHART



Johannes Franciscus van den Berg Gijsbertus (15 de diciembre de 1919 en Rotterdam - 6 de noviembre de 1998 en Fleurac ) o simplemente Bosschart Johfra fue un artista holandés moderno. Johfra y su esposa, Ellen Lórien, establecida en Fleurac (Dordogne - Francia) en 1962. Ellos vivían en los Países Bajos antes de eso Johfra describe sus obras como "El surrealismo sobre la base de estudios de la psicología, la religión, la Biblia, la astrología, la antigüedad, la magia, la brujería, la mitología y el ocultismo".

A Johfra Bosschart, como artista, se le comprende actualmente mejor de lo que se le comprendía hace muchos años. El interesse general por el arte simbólico va en aumento. Johfra, para muchos admiradores de su arte, es un precur- sor. Johfra siempre destacó como persona. Es sumamente amistoso, a veces refleja una alegría casi juvenil y siempre resulta moderado y prudente en su modo de enjuiciar a otros artistas. Muchas veces les comprende mejor que ellos a él, y en ocasiones también mejor que a sí mismo. Es cierto que vive pintando como un ermitaño, pero en determinados momentos puede convertirse gustosamente en el centro de un numeroso grupo de amigos fieles. Entonces habla mucho, naturalmente sobre todo de su arte y sobre los propósitos del mismo, pero también sobre un gran número de otros temas. Sabe compaginar de un modo excelente el aislamiento de su trabajo con sus apariciones en público. Es un espíritu contemplativo pero también un hombre que goza de la vida; por tanto, es una persona muy completa. Podemos descubrirlo todo en sus pinturas, y mucho menos en su vida personal. «Todo con mesura», parece ser su divisa, a excepción de su obra, en la que discurre errante entre descripciones de los polos opuestos: la vida y la muerte, el cielo y el infierno, lo más bello y lo más abominable. Esto puede también encontrarse en él mismo, pero en un ritmo más sosegado. Johfra ha sabido reconciliarse con las diferencias, el dualismo, e incluso con el monismo en el que todo se halla comprendido. Para él, todo forma parte de una unidad conciliadora de polos opuestos y esto le convierte en una figura armónica, un punto de apoyo para las personas que le tratan de cerca.

Johfra, como ser humano, no puede confundir a nadie. Su obra es clara en este sentido, aunque alguna vez pueda ocasionar división en determinados espíritus. Esto puede explicarse, lógicamente: quien no puede dominar en sí mismo la confusión, llevado a tal estado por la contemplación de una pintura, tiende a rechazar la obra. A veces, a esto le sigue luego una «conversión», ya que muchos se dan por vencidos, salvo aquellos que se estremecen ante las imágenes del mundo del espíritu. En general, ante la técnica de Johfra no existe tal estremecimiento, tales escalofríos. Muchos quedan asombrados por lo que llaman una pericia inusual que a otros les puede disgustar, en una época en la que la maestría no se aprecia y el desdoro deliberado a menudo parece ser una cualidad. En los últimos anos ha vuelto a operarse un cambio, y ésta es una de las razones para apreciar mejor la obra de Johfra y de otros artistas pintores.

Muchas pinturas de Johfra contienen elementos inquietantes. Tales elementos resultarían intolerables si él no bus- case deliberadamente en ellos la belleza. Además, quedan atemperados por la presencia de fragmentos tranquilizadores. Johfra busca la belleza sobre todo en el desnudo femenino, jamás pintado de manera incitante, aunque sí con una carga de enorme tensión psíquica. Los rostros, sobre todo, revelan la gran intuición psicológica de Johfra y las figuras son completamente puras desde el punto de vista anatómico.

En Johfra, el contenido total de una pintura siempre significa algo más que la mera suma de sus partes. Esto, que es así en cuanto al contenido, también se advierte desde el punto de vista técnico. Sin embargo, lo que llama sobre todo la atención es el gran amor con que Johfra realiza su obra, una dedicación casi- religiosa. El pinta el mundo del espíritu porque no puede dejar de hacerlo. Nada de lo que existe en el subconsciente le es ajeno. EI conoce sus más profundas aspiraciones en las imágenes que evoca, y que son un espejo para él. Naturalmente, Johfra no es ninguna persona de vida primaria; él reflexiona y considera. El busca sabiduría y, dentro de ella, aprende a conocerse a sí mismo. Pinta poseído por un impulso inspirado, pero se trata de una posesión serena, no violenta, capaz de conducir a un impetuoso expresionismo. Johfra aprecia pensamientos e ideas en su justo valor. Rechaza lo temporal y lo que está sujeto a una moda, y se atiene a instituciones intemporales.

Junto con otras figuras del Renacimiento, Johfra considera a Leonardo da Vinci como su gran modelo. Uno de sus grandes retratos más bellos es el de Leonardo en un paisaje «johfraniano». También admite la influencia en su obra de la pintura simbólica del pasado siglo, sobre todo de Gustave Moreau, aunque aquél crease en otro estilo. Cabría mencionar también más modelos, de los cuales Johfra retuvo lo que le parecía mejor, pero él supo fundir todas esas influencias en un arte de gran originalidad. Cualquiera puede reconocer inmediatamente una determinada obra como procedente de la mano de Johfra.

Johfra es, al mismo tiempo, alguien que cierra una larga tradición -una tradición que va de EI Bosco a Salvador Dalí- pero que a la vez abre la puerta a una renovación del arte simbólico. El confirió a dicho arte una nueva forma que no es posible encontrar en ningún otro artista. Esta puerta se halla abierta para los innumerables seres humanos que muestran una inclinación hacia el simbolismo, entre los que se encuentran, sobre todo, muchos jóvenes, a menudo algo más familiarizados con el simbolismo, Ias experiencias visionarias y con las imágenes de su subconsciente, que una generación de más edad. En ocasiones, por aversión hacia Ia sociedad actual, los jóvenes están más abiertos a una concepción no materialista de la vida, que ofrece más espacio para la meditación. Y a ello invitan muchas de las obras de Johfra. El observador encuentra en Johfra un gran interés por todo lo referente a Ias doctrinas esotéricas de la historia, unido a un gran conocimiento de la biología y de la anatomía. Johfra se interesa también por la música y la literatura, y sobre todo la literatura científica. Además de la astrología, también está familiarizado con la astronomía práctica. El intenta acoplar estas dos ciencias en su concepción de la vida. Posee un excelente telescopio y él mismo dibujó mapas en su estudio. Este interés se extiende también, por supuesto, a los viajes espaciales. Todas estas ideas se realizan de una manera especulativa y surgen en imágenes simbólicas cuando Johfra se halla frente a su caballete de pintor o a su tablero de dibujo. Se le podría considerar también como un alquimista creador de imágenes, o como un pintor con mentalidad de alquimista. La alquimia medieval es una ciencia secreta esotérica, que establece un vínculo entre ma- teria y espíritu. Los alquimistas escriben exclusivamente en un lenguaje simbólico, Ileno de dibujos igualmente simbólicos. Un pintor como Dali se ha llamado a sí mismo alquimista en diversas ocasiones. En Johfra se trata, naturalmente, de una alquimia de la imagen, una prolongación de su mirada, en principio totalmente materialista, sobre todo lo que él sabe de la naturaleza y de la materia.

Posteriormente, la física y la metafíica se desarrollaron para él, convirtiéndose en una sola realidad indisoluble. Añadamos a ello su deseo de experiencia místíca y tendremos la imagen de una persona monística que en su vida y en su obra intenta conciliar Ias dualidades. Se trata de unas dualidades -lo bello junto a lo repulsivo, lo trágico junto a lo satisfactorio- que en muchas obras se funde en una uni- dad concreta. Todo lo dicho puede parecer pomposamente serio, pero a renglón seguido se encuentra también en muchas obras de Johfra un gran sentido del humor; un humor poéticamente absurdo. En su mundo de imágenes, Johfra experimenta lo material como algo tan válido como lo espiritual, mientras que lo espiritual encuentra sus símbolos en lo material. De este modo, del universo total de intereses ha surgido un espacio integrado, del que Johfra extrae constantemente sus experiencias de la guerra, y a la que debe su no- toriedad. El simbolismo de Johfra es, con frecuencia, una síntesis de las degeneraciones actuales del surrealismo, situadas a veces en un marco de rasgos clasicistas. Semejante conjunción de elementos se encuentra también en el italiano De Cbirico y en el belga Delvaux.

El se Ilama a sí mismo Johfra Bosschart, pero según el registro civil su nombre es Franciscus Johannes Gijsbertus van den Berg. Nació el 15 de diciembre de 1919 en Rotterdam. Su padre era entonces estanquero. En su primera infancia se trasladó con sus padres a La Haya. Fue hijo único. EI mismo refiere que, al igual que otros niños, su vida no se distinguía por ninguna característica especial. Por su padre sabemos que Johfra, ya en su más tierna infancia, dibujaba cosas maravillosas que apuntaban bacia su simbolismo y surrealismo posteriores. Su talento como dibujante se hizo notar muy pronto en la escuela y fue para él una compensación con respecto a sus dificultades en el enseñanza de tipo escolar. Tales dificultades no dejan de parecer curiosas en alguien que más tarde supo enseñar de modo tan especial, baciendo fáciles temas en sí dificiles y aplicando además a la pintura lo que antes había leído.

Frans Valkenburg, profesor de dibujo de Johfra en la escuela primaria, reconoció el talento del muchacho porque era, también, profesor de Ia Real Academia de Artes Plásticas de La Haya. En Ias tardes que no tenía escuela, Johfra iba a aprender dibujo con Jan Giessen. Con dispensa paterna por ser demasiado joven, en 1934 Johfra, además de estudiar durante el día, pudo pintar y dibujar libremente en la academia. Allí encontró como profesores «clásicos» a Cees Bolding y a Arend Hendriks y, con mentalidad más moderna que Hen Meijer, a Paul Citroen, a Willem Scbrofer y a Rein Draijer. Fijémonos bien en este detalle: Johfra escogió ellado moderno de la academia, pero tomó también lecciones de grabado al aguafuerte de Hendriks y de Dirk Harting y litografia de Aart van Dobbenburgh. Durante algunos anos Johfra frecuentó la academia, estudiando con diligencia y trabajando de firme. Pero las lecciones académicas para él no eran suficientes.

Entonces ya sentía una gran admiración por la técnica pictórica de siglos anteriores. Aprendió por medio del famoso libro de Dõrner sobre técnicas de pintura. Estas lecciones tuvieron como resultado que posteriormente Johfra iniciara siempre sus pinturas en gris y blanco y las partes más oscuras en ámbar, tendiendo bacia ocre. Sobre estas pinturas él añadía colores en finas capas transparentes, con el llamado «glacis». Aun cuando no es decididamente un colorista, sus colores alcanzan a veces una gran intensidad, por más que su paleta es limitada. La intensidad -en Ia Edad Media ya se conocía esta técnica- se origina por la incidencia de la luz sobre ia pintura. La luz penetra a través de la fina capa de color transparente y llega a la capa inferior blanca, siendo reflejada por el «glacis». Con ello aumenta la intensidad del color. Con los anos, esta intensidad de color aumenta mediante la saponificación y se vuelve más translúcida. El resultado es que, incluso las obras con una escasa gama de colores, a veces casi monocro- mas, reflejan gran fuerza en un interior. Johfra usaba este método, aunque en los últimos anos ha tendido más bacia el color. «Ante todo -dijo una vez- yo soy, un pintor de las formas».

Todo esto no se lo pudo enseñar Ia academia; de hecho, a veces dejaba asombrados a sus profesores.
Johfra estudió también de otra manera. Tomá lecciones nocturnas de un tío abuelo, un profesor, que quiso subsanar su falta de conocimientos escolares. Este tio abuelo poseía un desarrollo muy amplio en el terreno de la biología y otros temas relacionados con el conocimiento de la naturaleza. Johfra aprendiá mucbo conversando con aquel hombre, y probablemente más todavía por el creciente interés que iba demostrando.

Johfra era de naturaleza «terrestre», pero su tío era espiritista y miembro de la sociedad swedenborgiana. El joven pintor estuvo, pues, en contacto con toda clase de temas ocultos, magia, alquimia y, naturalmente,la mística. Todo ello constituiría la base para posteriores pinturas y para otras inquietudes, ya que Johfra organizó en su casa una especie de museo de fósiles, minerales, cráneos y otros elementos que pueden encontrarse en la naturaleza. Lo usaba todo como modelos en su trabajo, dentro del reino de las formas. Lo dibujaba, además, según una visión poco realista.

El surrealismo era poco menos que tabú en la academia. En casa de Johfra nacieron los dibujos surrealistas y, más tarde, en 1941 la primera pintura. Era un paisaje formado por la superficie de una vellosa hoja de planta, tal y como se ve al microscopio.

Fuente información y agradecimiento:
http://johfra.no.sapo.pt/IntroPage.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/Johfra_Bosschart 


johfra1974, Hagg



Johfra - Hoogste lichten en diepste schaduwen Gerrit Luidinga Kosmos, Stichting de Verbeelding, 2001



 Johfra - Symphonie fantastique - Autobiografie Johfra de Verbeelding  Woerden, 1998



Johfra Astrologie Johfra Arista, 1981, 1985


Johfra Rico Bulthuis L.J.C. Boucher, 1956



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